ANIAV - Revista de Investigación en Artes Visuales- No 08 (2021)https://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651752024-03-29T06:24:30Z2024-03-29T06:24:30ZEscultura cinética en Quito: Precursores y cinetistasGarcía Moreno, Mario Fernandohttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651922023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T08:13:16ZEscultura cinética en Quito: Precursores y cinetistas
García Moreno, Mario Fernando
[EN] In the city of Quito, Ecuador, there are artistic expressions of a kinetic order, however, such manifestations have been little studied in their integrality, which is why the author of this article has considered it appropriate, even more so in his condition of citizen and sculptor Quito, to collect bibliographic and field information that contributes to the documentation, visibility and future debate of the subject in question. With this objective in mind, this research collects part of the results obtained from the doctoral thesis on "Kinetic sculpture in structural steel", currently under development, which provides the proper contextualization on this topic in the global panorama and, specifically, in art. Ecuadorian kinetic. The information offered, whenever possible, is presented free of speculation or value judgments, which will be in charge of future theoretical undertakings carried out by third parties.; [ES] Ciertamente existen expresiones artísticas de orden cinético en la ciudad de Quito, Ecuador; sin embargo, tales manifestaciones han sido poco estudiadas en su integralidad, razón por la cual el autor de este artículo ha considerado oportuno, más aún en su condición de ciudadano y escultor quiteño, levantar información bibliográfica y de campo que aporte a la documentación, sistematización, visibilización y futuro debate del tema en cuestión; en ello, la presente investigación recoge parte de los resutados obtenidos de la tesis doctoral sobre “Escultura cinética en acero estructural, el movimiento como agente mediador entre obra de arte y espectador”, actualmente en proceso, que aporta sobre dicho tema la debida contextualización en el panorama global y, en concreto, sobre el arte cinético ecuatoriano. La información ofrecida, en lo posible, se presenta libre de especulaciones o juicios de valor, los que quedarán a cargo, hipotéticamente, de futuros emprendimientos de orden teórico y crítico realizados por terceros.
2021-04-15T08:13:16ZFenomenología y memoria involuntaria en la experimentación pictóricaPorta Salvia, Carmehttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651912023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T08:09:22ZFenomenología y memoria involuntaria en la experimentación pictórica
Porta Salvia, Carme
[EN] This article reflects on the process that takes place in our memory for the construction of a memory, an internalization process that becomes the starting point for the creation of a pictorial work. For this we will use the concepts: Involuntary memory and phenomenological experience as components that become essential to explain the birth of an image or if not, they place us in front of an attitude that in artistic work can surprise us in an unequaled way. This research is based on my own experience that as a practitioner of painting, has led me to reconsider memory as a source of creation and also as the origin of what we call imagination. In this study I will refer to the thought of Edmund Husserl (1859‐1938) and Marcel Proust (1871‐1922) to deepen the concepts that are capital in this research, as well as and in a cross‐linked way, we will quote Henri Bergson (1859‐1941) and the philosopher Marina Garcés (1973‐), For the construction of this speech I will mention two personal pictorial projects carried out in recent years: Aenclosures (2017‐18) and Gestations (2018‐2019). Both were presented in the exhibition spaces of the Port of Tarragona during the season (2019‐20).; [ES] Este artículo reflexiona sobre el proceso que tiene lugar en nuestra memoria para la construcción de un recuerdo, proceso de interiorización que deviene el punto de partida para la creación de una obra pictórica. Para ello nos serviremos de los conceptos: memoria Involuntaria y experiencia fenomenológica, como componentes que devienen esenciales para explicar el nacimiento de una imagen o si más no, nos sitúan frente a una actitud que en el obrar artístico puede sorprendernos de forma sin igual. Esta investigación se basa en la propia experiencia que como practicante de la pintura, me ha conducido a reconsiderar la memoria como fuente de creación y también como origen de lo que llamamos imaginación. Me referiré en este estudio al pensamiento de Edmund Husserl (1859-1938) y Marcel Proust (1871-1922) para profundizar en los conceptos que son capitales en esta pesquisa, así como también y de forma entrecruzada, citaremos a Henri Bergson (1859-1941) y a la filósofa Marina Garcés (1973-), a quien agradezco la entrada que con sus escritos me ha proporcionado hacia el campo filosófico, en especial a los citados pensadores a través de la publicación de su libro, “Filosofía Inacabada” (2018). Para la construcción de este discurso haré mención de dos proyectos pictóricos personales realizados en los últimos años: “A-cercamientos” (2017-18) y “Gestaciones” (2018-2019). Ambos fueron presentados en los espacios expositivos del Puerto de Tarragona la temporada (2019-20).
2021-04-15T08:09:22ZContra el placer: el arte que nos aburreLee, Chao-Yanghttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651892023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T08:01:06ZContra el placer: el arte que nos aburre
Lee, Chao-Yang
[EN] The traditional concept of art is closely related to beauty and also to aesthetic pleasure. However, the emergence of avant‐garde and contemporary art has subverted that imagination. Art no longer seems to be pleasant, but it can also be disgusting and tedious, just like contemporary art that has often been criticized as such. From this point of view, this article attempts to look at the reasons why some art bores its viewers. From the epistemological perspective, we start to examine the philosophical thoughts of Plato and Kant on art, and the critique of Marxist ideology and aesthetics, exploring different perspectives on aesthetic beauty and pleasure. Furthermore, through the aesthetics of ugliness studied by Rosenkranz, of which opens the space for the discourse of negative beauty, we start our deduction of boredom in art. We discover that boredom generated by art does not have an absolute link with beauty and ugliness, but rather it has to do with the subjectivity of the viewers. With the examination of boredom from the perspective of the structure, content, time, mechanical production, and interpretation of the work, we have found that in addition to the characteristics of the work itself, the production of boredom is related to the educational and cultural background of the spectator, as well as to one´s personal taste. Finally, we also question whether art has begun to be boring and unremarkable after the historical progress of art being suspended, owing to “the end of art” suggested by Danto.; [ES] El concepto tradicional de arte está estrechamente relacionado con la belleza y también con el placer estético. Sin embargo, la aparición del arte de vanguardia y el arte contemporáneo ha subvertido dicha imaginación. El arte ya no parece ser agradable, pero puede ser repugnante y más a menudo se critica el arte contemporáneo como aburrido. Desde tal punto de vista, este artículo busca las razones por las que el arte aburre a sus espectadores. Desde la perspectiva epistemológica, partiendo de los pensamientos filosóficos de Platón y Kant sobre la belleza, hasta la crítica de la ideología y estética de Max, se examinan diferentes puntos de vista sobre la belleza y el placer. Además, a través de la estética de arte feo estudiado por Rosenkranz, lo cual abre el espacio al discurso de la belleza negativa, comenzamos nuestra discusión sobre la naturaleza aburrida del arte. Descubrimos que el aburrimiento que el arte genera no tiene un vínculo absoluto con la belleza y la fealdad, sino más bien tiene que ver con la subjetividad de los espectadores. Asimismo, exploramos la posibilidad del aburrimiento desde la perspectiva de la estructura, el contenido, el tiempo, la producción mecánica y la interpretación de la obra. Encontramos que, además de las características de la obra en sí, la generación de sentimientos aburridos está relacionada con el fondo educativo y cultural, así como por el gusto personal del espectador. Por último, también nos preguntamos si el progreso histórico del arte comenzó a parecer aburrido y sin nada nuevo después de que Danto llegara a la conclusión del fin del arte.
2021-04-15T08:01:06ZNEVER ODD OR EVEN. Una maniobra de posicionamiento. Entre el cómic y la vídeo instalaciónArtero Flores, Javierhttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651872023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T07:57:59ZNEVER ODD OR EVEN. Una maniobra de posicionamiento. Entre el cómic y la vídeo instalación
Artero Flores, Javier
[EN] This article analyzes various disciplinary crosses between the comic format and the multi‐screen video installation “NEVER ODD OR EVEN. A positioning maneuver” (2016). We use a hybrid methodology of artistic practice as research, in which we resort to theoretical texts, artistic works and to the work of artistic research in constant feedback. Through this study, our objective is to point out the ways that audiovisuals take to generate stories in the absence of events. Finally, these analyzes lead us to point out narrative strategies characteristic of the graphic novel in the videographic work of artistic research, such as the use of the loop and a consequent thematization of the temporal parameter.; [ES] En el presente artículo se analizan diversos cruces disciplinares entre el formato cómic y la vídeo instalación multi pantalla titulada “NEVER ODD OR EVEN. Una maniobra de posicionamiento” (2016). Para ello empleamos una metodología híbrida, de práctica artística como investigación, en la que recurrimos a textos teóricos, trabajos artísticos de diversa naturaleza y a la obra de la investigación artística en una retroalimentación constante. A través de este estudio, nuestro objetivo es señalar las vías que toma el audiovisual para generar relato en ausencia de acontecimientos. Finalmente, estos análisis nos conducen a señalar en la obra videográfica de la investigación artística estrategias narrativas características de la novela gráfica, como el empleo del bucle y una consecuente tematización del parámetro temporal.
2021-04-15T07:57:59ZComputer art: software art designVenturelli, Suzetehttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651842023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T07:55:19ZComputer art: software art design
Venturelli, Suzete
[EN] The article presents artistic works developed at the Computational Art Research Laboratory Media Lab / UnB, carried out as a team, under my coordination. The artistic and theoretical production sought to defend the idea that computational art is a new form of appreciated art, based on the assumption that it contains many of the components of a complete philosophy of an art form, which can be summarized in four basic references: one definition, an ontology, aesthetic characteristics, and the recognition of its status as art. What is currently called computational art is based on the observation that experiments in this domain involve more general common issues, in statu nascendi, to the artistic and technoscientific domains, which provide the structuring modes, the methodology and the programming techniques, introduced in the process. Computational art does not always use the computer, sometimes it is based on logical-mathematical operations only. However, computers had a profound impact on the arts, and in order to carry out a partial synthesis, based on a global theory of aesthetics today, a set of artistic works was selected that encompass the following subjects: the computer as an amplifier complexity (computational methods of creation); computational language; the developer artist; computational art as art of the crowd and not of the individual; laboratory work; software art (presentation and analysis of historical algorithms such as permutation, random, etc.); the appreciation of the human-computer interface (highlighting the importance of the game), which enabled greater public interactivity with the artistic work; the appropriation of the media for artistic purposes; the artistic engagement with social and ecological issues originated by technoscientific advances and the society's computerization policy and propositions related to the future, formulated philosophically in the post-biological era. We sought to develop poetics that resulted from the collaboration between living beings and machines.; [ES] El artículo presenta trabajos artísticos desarrollados en el Computational Art Research Laboratorio Media Lab / UnB, realizado en equipo, bajo mi coordinación. La producción artística y teórica buscaba defender la idea de que el arte computacional es una nueva forma de arte apreciado, basado en el supuesto de que contiene muchos de los componentes de una filosofía completa de una forma de arte, que se puede resumir en cuatro referencias básicas: una definición, una ontología, características estéticas y el reconocimiento de su condición de arte. Lo que actualmente se llama arte computacional se basa en la observación de que los experimentos en este dominio implican problemas comunes más generales, in statu nascendi, a los dominios artísticos y tecnocientíficos, que proporcionan los modos de estructuración, la metodología y las técnicas de programación, introducidas en el proceso. El arte computacional no siempre usa la computadora, a veces es basado únicamente en operaciones lógico‐ matemáticas. Sin embargo, las computadoras tenían un profundo impacto en las artes, y con el fin de realizar una síntesis parcial, basada en un teoría de la estética en la actualidad, se seleccionó un conjunto de obras artísticas que engloban los temas siguientes: la computadora como un amplificador de complejidad (métodos computacionales de la creación); lenguaje computacional; el artista desarrollador; arte computacional como arte de la multitud y no del individuo; trabajo de laboratorio; software art (presentación y análisis de algoritmos históricos como permutación, aleatorio, etc.); la apreciación de la interfaz hombre‐computadora (destacando la importancia del juego), que posibilitó una mayor interactividad pública con la obra artística; la apropiación de los medios con fines artísticos; el compromiso artístico con los problemas sociales y ecológicos originados por los avances tecnocientíficos y la política de informatización de la sociedad y proposiciones relacionadas con el futuro, formuladas filosóficamente en la era posbiológica. Buscamos desarrollar poéticas que resultaron de la colaboración entre seres vivos y máquinas.
2021-04-15T07:55:19ZLaptops, sonidos y datos masivos. Una perspectiva medial y aplicación en la prácticas artísticas sonoras algorítmicas post-digitalesLecuona Fornes, SergioMañas Carbonell, Moiséshttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651822023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T07:47:36ZLaptops, sonidos y datos masivos. Una perspectiva medial y aplicación en la prácticas artísticas sonoras algorítmicas post-digitales
Lecuona Fornes, Sergio; Mañas Carbonell, Moisés
[EN] It’s been almost two decades from the 10th Digital Show in New York and the article that Benjamin Weill (2002) wrote about this same one for the Leonardo magazine of the MIT as an attendee. In his article he wrote in a captivating way about the panorama that he detected. he pointed how digital technologies had completely filtered into culture in just a single decade, and how digital art was exponentially expanding, like a generative system, by spreading itself to all artistic disciplines and thus highlighting that the influence of technology, in all areas of artistic creation and production, it’s being only increasing since then (Cádiz 2012). Specifically, this text aims to address, in a synthetic way and with a medial perspective, the evolution of post‐digital algorithmic sound artistic practices. It proposes that the electrical phenomenon that Marshall McLuhan pointed out was not only an appearance, but instead, that the digital devices, their shape, the way we manipulate them, the moment in which we do it and their ability to build new creative objects –in particular sound, based on computational and algorithmic use– reveal the importance of the concepts of time, data, post‐production and direct and indirect interaction applied to the sound realm. This writing proposes to value and put in perspective these conceptual events, an in this way, contribute to generate a picture of the sound that becomes musical and is mediated by the technological, the computational and the incidence of data as a virtuous element of it’s formulation.; [ES] Hace casi dos décadas se celebraba el décimo Salón Digital de Nueva York. Tras asistir a esta, Benjamin Weill (2002) escribía de manera cautivadora para la revista Leonardo del MIT el panorama que había detectado. Apuntaba asombrado que en una sola década las tecnologías digitales se habían filtrado completamente en la cultura y cómo el arte digital había proliferado de forma exponencial, como si de un sistema generativo se tratara, extendiéndose a todas las disciplinas artísticas y dejando de manifiesto que la influencia de la tecnología, en todos los ámbitos de la creación y producción artística, no ha hecho más que incrementarse (Cádiz, 2012). En concreto este texto aborda de manera sintética y con una perspectiva medial la evolución de las prácticas artísticas sonoras algorítmicas post-digitales proponiendo que el fenómeno eléctrico que Marshall McLuhan apuntaba, no era solo una apariencia, sino que tanto los dispositivos digitales, la forma y modo como los manipulamos, el momento en el que lo hacemos y su capacidad de construir nuevos objetos creativos, en particular sonoros, a partir del uso computacional y algorítmico dejan de manifiesto la importancia del concepto de tiempo, dato, postproducción e interacción directa e indirecta sobre lo sonoro. Este escrito plantea poner en valor y dar perspectiva a esos acontecimientos conceptuales a modo de aportación a la generación de un dibujo de lo sonoro que se transforma en musical y es mediado por lo tecnológico, lo computacional y la incidencia del dato como elemento virtuoso de esta formulación.
2021-04-15T07:47:36ZEl vestuario como acción disruptiva en el entorno popular, intelectual y artístico en España: del Motín de Esquilache a la proto-performance de VanguardiaCruz Fuerte, Almudenahttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651812023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T07:43:16ZEl vestuario como acción disruptiva en el entorno popular, intelectual y artístico en España: del Motín de Esquilache a la proto-performance de Vanguardia
Cruz Fuerte, Almudena
[EN] The textile element has adopted many meanings throughout its history: suit, outfit, dress, attire, clothing, are just some of them. However, there are three that reflect the objective of this study, these are: fashion, clothing and costume. It is essential to clarify this differentiation initially, since these three terms build the present analysis, whose main objective is to reflect on the discursive and disruptive power that propagated fashions, consensual clothing and designed costumes have had in Spain, within a popular, artistic and avant‐garde context.Henceforth, we will consider that fashion recreates the game of diffusion of uses, both normative and dissident, of certain garments and accessories; clothing executes assimilation under social consensus, associating meaning with textile signifiers; and finally, the costumes idealize the textile element for artistic purposes.According to this distinction, we have structured a study examining the discursive capacities of the act of dressing, through two interconnected blocks. In the first block, we analyze the disruptive popular actions in which clothing was used, from the Mutiny of Esquilache to the outbreak of the spanish civil war. In the second block, we move the interest to the Spanish art and avant‐garde scene, highlighting those proto‐ performance’s actions where costumes served to emphasize the plastic act, in a period that goes from the first decade of the 20th century to the outbreak of civil strife. Considering civil, political and artistic aspects of the spanish.The study of the civil, political and artistic aspects of the spanish society through the suit, shows us that the clothing regulation and the actions against its compliance are a fascinating starting point to recognize the value that the “act of dressing” has in the philosophical, conceptual and sociological analysis of the world that surrounds us.; [ES] Muchas son las acepciones que el elemento textil ha adoptado a lo largo de su historia: traje, atuendo, vestido, atavío y ropaje son solo algunas de ellas. Sin embargo, existen tres que recogen el objetivo del presente estudio; éstas son: moda, indumentaria y vestuario. Se nos presenta imprescindible matizar esta diferenciación inicialmente ya que estos tres términos vertebran el presente análisis, cuyo principal objetivo es reflexionar sobre el poder discursivo y disruptivo que las modas propagadas, las indumentarias consensuadas y los vestuarios diseñados han tenido en España, dentro de un contexto popular, artístico y de vanguardia. Según esto, consideraremos que la moda recrea el juego de difusión de usos, tanto normativos como disidentes, de ciertas prendas y complementos; la indumentaria ejecuta la asimilación bajo el consenso social, asociando significado a significantes textiles; y finalmente, el vestuario idealiza el elemento textil con fines artísticos. Con estas premisas, hemos estructurado un estudio examinando las capacidades discursivas del acto de vestir a través de dos bloques interconectados. En el primero bloque, analizamos las acciones populares disruptivas en las que se utilizó la indumentaria, desde el Motín de Esquilache hasta el estallido de la guerra civil española. En el segundo bloque, trasladamos el interés a la escena artística y de vanguardia española, subrayando aquellas acciones de la proto-performace en la que el vestuario sirvió para enfatizar el acto plástico, en un período que va desde la primera década del siglo XX hasta el estallido de la contienda civil. Este recorrido entorno a la vida civil, política y artística de la sociedad española a través del traje nos demuestra que, tanto la regulación vestimentaria como las acciones en contra de su cumplimiento, son un punto de partida fascinante para reconocer la valía que el “acto de vestir” tiene en el análisis filosófico, conceptual y sociológico del mundo que nos rodea.
2021-04-15T07:43:16Z(E)SPECULA(R), un estudio del patrimonio cultural como un espacio de disputa material a través de prácticas colaborativasKrakowski, Anjahttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651792023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T07:39:20Z(E)SPECULA(R), un estudio del patrimonio cultural como un espacio de disputa material a través de prácticas colaborativas
Krakowski, Anja
[EN] Based on the proposal to take part in the project "Variations on the map", a cycle of public and private actions conceived by the curators Ángela Montesinos and Juan Luis Toboso for the IVAM as a process of confronting the territory of the Barrio del Carmen (historic neighborhood of Valencia, Spain), in direct interaction with its multiple contexts (urban, social, economic and cultural), we developed (E)SPECULA(R), a collaborative work that invites to study cultural heritage, not only as what deserves to be preserved, but also as a space of material and symbolic dispute that affects the daily realities of the residents of certain territories that 'coexist' with heritage and under the impact of certain policies of heritage protection.; [ES] A partir de la propuesta de formar parte del proyecto „Variaciones sobre el plano“, ciclo de acciones públicas y privadas concebido por los comisarios Ángela Montesinos y Juan Luis Toboso para el IVAM, que planteaba un proceso de confrontación con el territorio del Barrio del Carmen de Valencia, se desarrolló (E)SPECULA(R), un trabajo colaborativo que invita al estudio del patrimonio cultural, no solo como aquello que merece ser conservado, sino como un espacio de disputa material y simbólica que afecta a las realidades cotidianas de los vecinos de determinados territorios que ‘conviven’ con el patrimonio y bajo el impacto de determinadas políticas de protecciones patrimoniales.
2021-04-15T07:39:20ZAnarchivo y producción contrahegemónica del relato. El paisaje cultural de l’Horta como caso de estudioTomás Marquina, Danielhttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651782023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T07:34:30ZAnarchivo y producción contrahegemónica del relato. El paisaje cultural de l’Horta como caso de estudio
Tomás Marquina, Daniel
[EN] The landscape is something intrinsic to the formation of any cultural worldview. In this study we will focus on the region of Horta (València) to talk about how the cultural records of what we could define as a unique cultural landscape in Europe are configured. In this place, we also articulate discourses that define eco‐knowledge and life stories narrated by the people who live there. Within this framework, we will analyse a project that registers and archives these customs; built as a counterpoint, by the mouths of all its own protagonists. If an archive is built from a sphere of power, this anarchive aims to articulate new narratives from the possibility of building horizontal and organic stories. Also as memory capsules, fragments of lives that intertwine in an emotional catharsis. These actions can build resistance, and a type of social aesthetic mediated by art. The way to order past memories that help us to build the future in a time of collapse, linked to a global ecological and socioeconomic crisis.; [ES] El paisaje es algo intrínseco en la formación de cualquier cosmovisión cultural. En este estudio nos centraremos en la comarca de l’Horta (València) para hablar de como se configura los registros culturales de lo que podríamos definir como un paisaje cultural único en Europa. En este lugar, también se articulan discursos que definen ecosaberes e historias de vida narradas por las personas que habitan el lugar. En este marco, analizaremos un proyecto que registra y archiva estas costumbres; construidas como contrarelato, por boca de todas sus propias protagonistas. Si un archivo se construye desde una esfera de poder, este anarchivo pretende articular nuevas narrativas desde la posibilidad de construir relatos horizontales y orgánicos. También como cápsulas de memoria, retazos de vidas que se entrecruzan en una catarsis emocional. Estas acciones pueden construir resistencias, y un tipo de estética social mediada por el arte. La forma de ordenar recuerdos pasados que nos ayudan a construir el futuro en una época de colapso, vinculada a una crisis ecológica y socioeconómica a nivel global.
2021-04-15T07:34:30ZArte público activista. Estrategias participativas y transmedia en el proyecto feminista #PortalDeIgualdad dirigido a la transformación de los museos y centros de arteZacares Pamblanco, AmparoMonleón-Pradas, Mauhttps://riunet.upv.es:443/handle/10251/1651772023-11-21T11:47:12Z2021-04-15T07:24:56ZArte público activista. Estrategias participativas y transmedia en el proyecto feminista #PortalDeIgualdad dirigido a la transformación de los museos y centros de arte
Zacares Pamblanco, Amparo; Monleón-Pradas, Mau
[ES] El presente escrito se centra en el proyecto de arte público activista #PortalDeIgualdad, dirigido a la transformación de los museos y centros de arte, y que ha sido presentado en el contexto de Instituto Valenciano de Arte Moderno en septiembre de 2020.Se trata de un proyecto participativo con enfoque de género iniciado por la artista y comisaria feminista Mau Monleón Pradas, que incluye la participación social a través de estrategias transmedia. El objeto de la investigación es trazar las metodologías de la Campaña por la igualdad entre mujeres y hombres en los museos y en la educación del proyecto, destacando sus referentes así como los distintos actos llevados a cabo hasta el momento presente. Más concretamente, el artículo trata de revelar las premisas y los mecanismos de transformación que suscita este proyecto activista, que propone un modelo efectivo para la superación de la discriminación de las mujeres en la esfera de la cultura mediante la inclusión de un Portal de Igualdad en las webs de los museos y centros de arte.Al hilo de este recorrido del proyecto que está siendo desarrollado y que ha dado lugar a la formación de la Colectiva Portal de Igualdad, se estructuran las distintas acciones de esta Colectiva internacional, cuyos resultados se centran en el apoyo y la firma del “Manifiesto Portal de Igualdad”, que reclama la igualdad representativa entre mujeres y hombres en ámbito de la cultura visual. Estos resultados se basan en las cuatro principales acciones llevadas a cabo por la Colectiva desde octubre de 2020 cada día 29 del mes, entre las que se cuentan la presentación del Manifiesto; la presentación del Museo internacional WAM Women Artist Museum; la publicación periódica en la revista Los Ojos de Hipatia, y la creación del GIF de la Colectiva. En definitiva, la discusión que suscita el escrito se centra en la capacidad colectiva de transformación social, a partir de un proyecto artístico de carácter activista que amplía su función estética a favor de una función ética para el cambio social en el sistema del arte.; [EN] This writing focuses on the activist public art project “#PortalDeIgualdad”, aimed at the transformation of museums and art centers, and which has been presented in the context of the Valencian Institute of Modern Art in September 2020.It is a participatory project with a gender approach initiated by the feminist artist and curator Mau Monleón Pradas, which includes social participation through transmedia strategies. The purpose of the research is to trace the methodologies of the Campaign for equality between women and men in museums and in the project's education, highlighting its referents as well as the different acts carried out to date. More specifically, the article tries to reveal the premises and mechanisms of transformation that this activist project raises, which proposes an effective model for overcoming discrimination against women in the sphere of culture by including an Equality Portal in the websites of museums and art centers. Along this path of the project that is being developed and that has given rise to the formation of the Equality Portal Collective, the different actions of this international Collective are structured, the results of which are centered on the support and signing of the " Equality Portal Manifesto”, which calls for representative equality between women and men in the field of visual culture. These results are based on the four main actions carried out by the Collective since October 2020 every 29th of the month, including the presentation of the Manifesto; the presentation of the international WAM Women Artist Museum; the periodic publication in the magazine “Los Ojos de Hipatia”, and the creation of the GIF of the Collective. In short, the discussion that the writing raises focuses on the collective capacity for social transformation, based on an artistic project of an activist nature that expands its aesthetic function in favor of an ethical function for social change in the art system.
2021-04-15T07:24:56Z