ANIAV - Revista de Investigación en Artes Visuales- No 05 (2019)
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/126966
2024-03-28T12:49:10ZRelaciones entre prácticas artísticas, espacio social, visibilidad y gestión de la complejidad
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/127004
Relaciones entre prácticas artísticas, espacio social, visibilidad y gestión de la complejidad
Parramon Arimany, Ramon
[EN] Artistic practices characterised by a tendency to dematerialisation, collective creation and a conception of work-as-process, lose presence and visibility in a context marked by hypervisibility and immediacy. Given the need to make social complexity intelligible, art, within a context of overexposure, may represent a form of action which helps in visualising and in influencing aspects of reality. But if art does not manage to regenerate and diversify its mechanisms of production, it might find itself excluded from this socialising task. Artistic production, understood from a systemic perspective, may confront the management of complexity as an essence, while connecting to other areas, disciplines or ways of seeing/understanding the world which share the goal of deciphering and investigating in order to trace out possible futures, and to contribute to processes of collective emancipation.
This article raises the need to redefine the contemporary art functions in relation to the social contexts in which it is articulated. Taking as reference the "productivism" avant-garde of the 20s and the theories of "systemic art" at the end of the 60s, they are related to some contemporary artistic production; those that activates experiences, make connections with specific social spaces and works from the management of complexity.; [ES] Las prácticas artísticas que se caracterizan por una tendencia a la desmaterialización, a la creación colectiva y a la concepción de la obra-como-proceso, pierden presencia y notoriedad en un contexto marcado por la hipervisibilidad y la inmediatez. Ante la necesidad de hacer inteligible la complejidad social, en un contexto de sobrexposición, el arte puede ser una forma de acción que contribuya a visibilizar aspectos de la realidad e incidir en ella. Pero si el arte no consigue regenerar y diversificar sus mecanismos de producción, puede quedar excluido de esta labor socializadora. La producción artística, entendida desde una perspectiva sistémica, puede afrontar la gestión de la complejidad como esencia, a la vez que conectarse a otros ámbitos, disciplinas o formas de ver-entender el mundo, que comparten el objetivo de descifrare investigar para trazar futuros posibles, y contribuir a los procesos de emancipación colectiva.En este artículo se plantea la necesidad de redefinir las funciones que asume el arte contemporáneo en relación con los contextos sociales en los que se articula. Tomando como referencia el “productivismo” de los años 20 y las teorías del “arte sistémico” de finales de lo años 60, se ponen en relación con la producción artística contemporánea que activa experiencias que plantean una conexión con determinados espacios sociales, y lo afronta desde la gestión de la complejidad.
2019-10-02T10:51:24Z‘Memorias de un periodista musical’ (una novela gráfica)
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/127002
‘Memorias de un periodista musical’ (una novela gráfica)
Pérez García, Juan Carlos
[EN] Memories of a music journalist is a graphic novel that I am making with Santi Carrillo, music journalist and director of Spanish magazine Rockdelux. A memoir tends to the abstract evocation of memories, sensations and emotions —that is why Carrillo’s literary text has raised a series of formal challenges in order to transform his text into a narrative in images, particulary in some essay chapters and in his memories about his childhood or the early death of his father. Still in the making, the work is structured in chapters associated with songs that are part of his biography and memory. For the most part of its history, the traditional comics have been a form / medium focused on external action: the slapstick, since its beginnings as a mass medium at the end of the XIX century, and the adventure fiction (exotic adventures, science fiction, superheroes, etc.) have nurtured most of the comics of the twentieth century. Only in recent decades an artistic comic for adults, the so-called graphic novel, has addressed other issues: memory, history, biography, essays—in short, reality. These new topics require the development of new formal tools to represent the inner world of ideas, feelings and sensations. In Memories of a music journalist I am using some allegorical designs, visual metaphors and the combination of different kind of representational languages (i.e., contrasts between drawing and photography) and styles (from caricature to realism).; [ES] Memorias de un periodista musical es una novela gráfica que realizo con Santi Carrillo, periodista musical y director de Rockdelux. Las memorias tienden a la evocación abstracta de recuerdos, sensaciones y emociones; por eso, su texto literario me ha planteado una serie de desafíos formales a la hora de transformarlo en una narración en imágenes, particularmente en pasajes ensayísticos y de memoria sobre su infancia o la muerte temprana de su padre. La obra, aún en proceso, se estructura en capítulos asociados a canciones concretas que forman parte de su biografía y memoria.
El cómic tradicional ha sido durante la mayor parte de su historia una forma / medio enfocado a la acción concreta y externa: la comedia de slapstick, ya desde sus comienzos como medio de masas a finales del siglo XIX, y la ficción de aventuras (exóticas, ciencia ficción, superheroicas, etc.) han nutrido la mayoría del cómic del siglo XX, juvenil. No ha sido hasta décadas recientes cuando un cómic artístico para adultos, la llamada novela gráfica, ha abordado otras temáticas: la memoria, la historia, la biografía, lo ensayístico; en resumen, la realidad. Estas nuevas temáticas exigen la elaboración de nuevos recursos formales para representar el mundo interior de ideas, emociones y sensaciones. En Memorias de un periodista musical he acudido al uso de diseños alegóricos, metáforas visuales y la combinación de diversos lenguajes (contrastes entre dibujo y fotografía) y estilos representacionales (de la caricatura al realismo).
2019-10-02T10:46:25ZEcofeminismos en la práctica artística. El cuerpo como símbolo y territorio de acción
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/127001
Ecofeminismos en la práctica artística. El cuerpo como símbolo y territorio de acción
Soto Sánchez, Pilar
[EN] This article exposes ecofeminism as a necessary current for the transformation of sustainable societies. An active model that unites artistic practices becomes a tool capable of visualizing the roots of the socio-environmental crisis and providing the keys to awareness. Briefly shows how the characteristics of the companies are shown based on the principles of ecofeminism, the body is used as a symbol, as a territory to exploreb and as a common material with the visibility and denounce the imbalance panorama. It uses the body as an instrument with which to redefine the discourses of power and claim their identity, autonomy and freedom. From their artistic practice they try to revert on the imaginary and the conscience and, at the same time, on the alternatives of action for the transformation. The artists presented in this article, from critical,poetic and political thought, to the direct attack on the collective imagination. From the art it makes us reflect on the past, the present and the future of the relationship between humanity and nature in terms of respect, feminism; [ES] El presente artículo expone el ecofeminismo como una corriente necesaria para la transformación hacia sociedades sostenibles, un modelo activo que unido a las prácticas artísticas se convierte en una herramienta capaz de visibilizar las raíces de la crisis socioambiental y proporcionar claves imprescindibles para la toma de conciencia. De forma breve se muestra cómo algunas propuestas artísticas basadas en los principios del ecofeminismo utilizan el cuerpo como símbolo, como territorio a explorar y como material común con el que visibilizar y denunciar la estructura defectuosa sobre la que se ha construido una sociedad patriarcal, capitalista y antropocéntrica. Ellas utilizan el cuerpo como instrumento con el que redefinir los discursos de poder y reivindicar su identidad, autonomía y libertad. Desde su práctica artística pretenden revertir sobre el imaginario y la conciencia y a su vez proponen alternativas de acción para la transformación. Las artistas que se presentan en este artículo trabajan desde el pensamiento crítico, poético y político para atacar directamente al imaginario colectivo. Desde el arte nos hacen reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de la relación entre la humanidad y la naturaleza en términos de respeto, feminismo y ecología.
2019-10-02T10:41:11ZLa identidad falsa como estrategia de (in)visibilidad de las mujeres pioneras de la performance (México/España, 1926-36)
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/126998
La identidad falsa como estrategia de (in)visibilidad de las mujeres pioneras de la performance (México/España, 1926-36)
Mindek, Dubravka; Molina-Alarcón, Miguel
[EN] This work considers the double paradoxical character of visibility and invisibility, as well as true and false identities, that many women in early twentieth century Spain and Mexico, resorted to in order to simultaneously hide their own and represent others. Thus, false gender and other identities revealed a contradictory social reality. As a research question, we will explore their actions as possible precursory expressions of performance, an artistic practice that would appear many years later. We find a connection to these women’s performing in the creative use they made of their own bodies (without doing so intentionally). They carried out a kind of covert participant observation, in anthropological terms, that allowed them to pass unnoticed at the same time as making visible diverse social and gender problems and identities. The women whose cases will be analyzed are the Mexican Concepción Jurado who, between 1926-1931, passed herself off as a Spanish millionaire; and Spanish journalists Magda Donato, Josefina Carabias and Luisa Carnés, who between 1932 and 1936, using false identities, infiltrated mental health institutions, prisons, hotels, hairdressers and even took on the role of women seeking jobs. This allowed them to bring to light the invisibility of the areas they infiltrated, denounce their social and labor conditions and point out the constructions of gender inequalities surrounding them. there is certainly art in their actions, why not?; [ES] En este trabajo se analiza el doble carácter paradójico de visibilidad e invisibilidad, así como de lo verdadero y lo falso, de que tuvieron que servirse toda una serie de mujeres de inicios del siglo XX en el ámbito español y mexicano, para mostrar las identidades ajenas a la vez que ocultar las propias – las de género y otras- y desvelar una realidad social contradictoria. Como objeto de estudio, miraremos sus acciones como posibles expresiones precursoras de la performance, una práctica artística que vendría muchos años después y que aquí encontramos sus indicios (aunque ellas no lo pretendieran) por el uso creativo que hicieron desde sus propios cuerpos. Estas mujeres realizaron una especie de observación participante encubierta, en términos antropológicos, en diferentes ámbitos de sus respectivas sociedades, lo que les permitió pasar desapercibidas, pero a la vez hacer visibles diferentes problemáticas e identidades sociales y de género. Las mujeres cuyos casos se analizarán son la mexicana Concepción Jurado que se hizo pasar por un millonario español entre 1926-1931; y las periodistas españolas Magda Donato, Josefina Carabias y Luisa Carnés, que entre 1932-1936 se infiltraron con identidades falsas en instituciones de salud mental, cárceles, hoteles, peluquerías e inclusive adoptaron el rol de una mujer buscando trabajo, para visibilizar su lado invisible, denunciar sus condiciones sociales y laborales y señalar las construcciones y las inequidades de género en torno a ellos. Todo un arte de acción ¿por qué no?
2019-10-02T10:09:31ZEl medialab: ¿un espacio propicio para el arte?
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/126995
El medialab: ¿un espacio propicio para el arte?
Ruiz Martín, José Manuel; Portilla Karolis, César Augusto
[EN] This paper focuses on the study of the medialab, departing from the analysis of the transformations suffered by it during its historical development, and the main characteristics it has in a global level. This study examined twenty-two international centers through on-site visits, interviews, search of information in their archives and media libraries, and through analysis of the most relevant publications and projects. The analysis is divided into stages: from the appearance of the first pioneering centers in the 1960s (1960-1980), their proliferation at the end of the last century (1980-2000), to the current medialab (2000-2018). It is assumed that the medialab, located in the convergence between art, science and technology, and as a successor of the artist's workshop, becomes a radically transformed space that incorporates practices of sociology, social sciences, communication, economy and business. Thus, the artistic practices are significantly reduced in the medialab context, the same as the projects leading by artists during the last decades.; [ES] El presente texto se centra en el estudio del medialab a partir del análisis de las transformaciones sufridas durante su desarrollo histórico y de las principales características que posee a nivel global. Se han examinado veintidós centros internacionales mediante visitas in situ, entrevistas, búsqueda de información en sus archivos y mediatecas y análisis de publicaciones y proyectos más relevantes. El artículo se presenta dividido en etapas: desde la aparición de los primeros centros pioneros en la década de los sesenta (1960-1980), pasando por la etapa de proliferación de estos a finales del siglo pasado (1980-2000), hasta el medialab actual (2000-2018). Se determina que el medialab, ubicado en la convergencia entre arte, ciencia y tecnología y sucesor del taller del artista, deviene espacio radicalmente transformado que asume prácticas propias de la sociología y de las ciencias sociales, de la comunicación y del estrato económico y empresarial. En él, las prácticas artísticas se ven notablemente reducidas, al igual que el desarrollo de proyectos liderados por artistas, algo agravado durante las dos últimas décadas.
2019-10-02T10:04:49ZImágenes en fuga*. Entropía, incertidumbre y gravitación en el análisis estético de la producción de sentido visual (Reflexiones sobre un texto de Robert Smithson)
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/126976
Imágenes en fuga*. Entropía, incertidumbre y gravitación en el análisis estético de la producción de sentido visual (Reflexiones sobre un texto de Robert Smithson)
Maldonado Gómez, José
[EN] In Artforum art magazine (June 1966) Robert Smithson (New Jersey, 1938) writes a disturbing and radical essay entitled Entropy and the new monuments. The essay analyzes the work of a series of artists and the conceptions involved in the production of the creators cited therein; also, of how such productions are inscribed in a certain space-time context. Smithson develops a series of concepts, which have been treated by him and by other authors and artists, in an intense and interesting way in conceptual, poetic and plastic terms, but at the same time with a scientific rigor calibrated in an exotic, strange way. and diffuse, but very suggestive and inspiring. Among the concepts used is entropy, which is both simple and enigmatic, but also complex and essential. The concept of entropy is relevant in semiotic terms to understand the inevitable interactions between different fields of knowledge and the structuring of both language and communicative action and its derivation. In this article, we analyze some of the concepts and definitions used by Smithson and other authors, artists or not, and the relevance they have for working with images, the production of meaning through them, and the constant retro-adjustment (retroreading, etc.) that we must apply to avoid, or at least slow down, the disappearance (degree of visibility) or leakage of the images constituted or conformed, independently of their nature. That is to say, an attempt is made to investigate the trend, through the generation and translation of mathematical physical matemas, among other tools, of the alleged images to the fugue both of their potential linguistic and plastic sense, visually (their disappearance, distancing or equilibrium), and the factors that make images and their production, emission and reception, independent and liberated knowledge objects with a high metaphorical potential, and therefore, linked with concepts and dynamics such as entropy, uncertainty and gravitation.; [ES] En la revista de arte Artforum de junio de 1966 Robert Smithson (New Jersey, 1938) escribe un inquietante y radical ensayo que llevaba por título Entropía y los nuevos monumentos. El ensayo analiza el trabajo de una serie de artistas y las concepciones implicadas en la producción de los creadores citados en el mismo; también de cómo se inscriben en un determinado contexto espaciotemporal tales producciones. Smithson desarrolla una serie de conceptos, que han sido tratados tanto por él como por otros autores y artistas, de una manera intensa e interesante en términos conceptuales, poéticos y plásticos, pero a la vez con un rigor científico calibrado de una manera exótica, extraña y difusa, pero muy sugerente e inspiradora. Entre los conceptos empleados se encuentra el de entropía, que es a la vez sencillo y enigmático, pero también complejo y esencial. El concepto de entropía es relevante en términos semióticos para comprender las interacciones inevitables entre diferentes campos de conocimiento y la estructuración tanto del lenguaje como de la acción comunicativa y su deriva. En el presente artículo se analizan algunos de los conceptos y definiciones empleados por Smithson y otros autores, artistas o no, y la relevancia que estos tienen para el trabajo con imágenes, la producción de sentido a través de estas, y el constante retroajuste (retrolectura, etc…) que debemos aplicar para evitar, o al menos ralentizar, la desaparición (grado de visibilidad) o fuga de las imágenes constituidas o conformadas, independientemente de su naturaleza. Es decir, se intenta investigar la tendencia, a través de la generación y traslación de matemas físico matemáticos, entre otras herramientas, de las pretendidas imágenes a la fuga tanto de su potencial sentido lingüístico como plástica, visualmente (su desaparición, alejamiento o momento de equilibrio), y los factores que hacen de las imágenes y su producción, emisión y recepción, objetos de conocimiento independientes y liberados con un alto potencial metafórico, y por consiguiente, enlazados con conceptos y dinámicas tales como entropía, incertidumbre y gravitación.
2019-10-02T10:00:03ZSonoqualia 2.0: imágenes mentales e imaginación sonora
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/126975
Sonoqualia 2.0: imágenes mentales e imaginación sonora
García González, Concha
[EN] The purpose of this communication is to narrate the motivations, methodology, development and conclusions of the second version of the Sonoqualia project, whose main objective is the creation by people with visual impairment, of sound artistic experiences linked to pictorial works housed in museums of the city of Madrid. The name (Sono-qualia) refers to the subjective qualities of the sounds we feel and perceive each one of us, so its intention is far from objective criteria translators of visual material in sound material. Pictorial works are the frames of reference from which the spaces and sound experiences are created. The audio-descriptions offered by museums, understood as descriptive narratives of the elements put in relation in the pictures, are the starting point of the project, conceived as a 5-week workshop in which the participants work in groups, assisted by technicians who facilitate them the access to sound-composition software. Sonoqualia focuses on the construction, enrichment and communication of the mental images of the participants, generated from these descriptive narratives, understood as internal representations shaped from our multimodal experiences, in which all the senses intervene. Various elements are used for this purpose, such as symbolic values and emotional meanings of the sounds daily used in our interpersonal and environmental relationships; the sound imagination, which has the capacity of development, sophistication and complexity; previous sound experiences or "sonorous culture", variable in each participant, but enriched when shared and put together; sound material chosen simply by "as it sounds", i.e. by aesthetic criteria... The result is the creation of sound pieces with a duration around 2 minutes. This project has been the beneficiary of an aid for the artistic creation of the city Council of Madrid 2017 and so far, two editions of it have been made.; [ES] La finalidad de esta comunicación es narrar las motivaciones, metodología, desarrollo y conclusiones de la segunda versión del proyecto Sonoqualia. que tiene como objetivo fundamental la creación por parte de personas con discapacidad visual, de experiencias artísticas sonoras vinculadas a obras pictóricas albergadas en museos de la ciudad de Madrid. El nombre (Sono-qualia) hace referencia a las cualidades subjetivas de los sonidos que sentimos y percibimos cada uno de nosotros, por lo que su intención está alejada de criterios objetivos traductores del material visual en material sonoro. Las obras pictóricas son los marcos de referencia a partir de los cuales se crean los espacios y experiencias sonoras. Las audio-descripciones ofrecidas por los museos, entendidas como relatos descriptivos de los elementos puestos en relación en los cuadros, son el punto de partida del proyecto, concebido en forma de taller de 5 semanas de duración en el que los participantes trabajan en grupos, asistidos por técnicos que facilitan el acceso a softwares de composición sonora. Sonoqualia se centra en la construcción, enriquecimiento y comunicación de las imágenes mentales de las participantes, generadas a partir de estos relatos descriptivos, entendidas como representaciones internas formadas a partir de nuestras experiencias multimodales: en las que intervienen todos los sentidos. Se utilizan para ello diversos elementos, como valores simbólicos y significados emocionales de los sonidos utilizados diariamente en nuestras relaciones interpersonales y con el entorno; la imaginación sonora, que tiene capacidad de desarrollo, sofisticación y complejidad; experiencias sonoras previas o “cultura sonora”, variable en cada participante, pero que se enriquece al ser compartida y puesta en común; material sonoro escogido simplemente por “como suena”, es decir, por criterios estéticos… El resultado es la creación de piezas sonoras con una duración en torno a los 2 minutos. Dicho proyecto ha sido beneficiario de una Ayuda para la Creación artística del Ayuntamiento de Madrid 2017 y hasta el momento se han realizado dos ediciones de él.
2019-10-02T09:54:55ZCircuito Alameda: Algunos apuntes sobre las obras Jardín Alameda, Encontros, Caja de Choque y Serigrafías
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/126973
Circuito Alameda: Algunos apuntes sobre las obras Jardín Alameda, Encontros, Caja de Choque y Serigrafías
Prado, Gilbertto
[EN] The personal exhibition of Gilbertto Prado and Grupo Poéticas Digitais was held at the Alameda Art Laboratory, LAA, in Mexico City in June / August 2018. The "Alameda Circuit" exhibition combined a series of site specific works created for the LAA , in the old convent of San Diego (XVI Century) in dialogue with personal works of the artist and the Group arranged in 5 different rooms. The idea, and its conceptual party, was to establish various circuits with / between space and visitors in their relationship with works. The various historical processes, including local customs, invasion, colonization and evangelization, cultural clashes and their ties to the urban environment, particularly the neighboring Paseo Alameda, combined with the story of an artistic trajectory of several decades, were put on the scene. The exhibition was curated by Jorge La Ferla. This text will deal with some notes on the Alameda Garden, Encontros (Meetings), and Shock Box works.; [ES] La exposición personal de Gilbertto Prado y del Grupo Poéticas Digitais fue realizada en el Laboratorio Arte Alameda, LAA, de la Ciudad de México en junio/agosto de 2018. La muestra “Circuito Alameda” combinó una serie de obras site specific creadas para el LAA, en el antiguo convento de San Diego (Sec. XVI) en diálogo con trabajos personales del artista y el Grupo dispuestos en 5 salas distintas. La idea, y su partido conceptual, fue establecer diversos circuitos con/entre el espacio y los visitantes en su relación con las obras. Se pusieron en escena los diversos procesos históricos, entre las costumbres locales, la invasión, la colonización y evangelización, los choques culturales y sus vínculos del entorno urbano particularmente del vecino Paseo Alameda combinados con el relato de una trayectoria artística de varias décadas. La exposición fue curada por Jorge La Ferla. Este texto tratará de algunos apuntes sobre las obras Jardín Alameda, Encontros (Encuentros ) y Caja de Choque.
2019-10-02T09:49:19ZDos vínculos poco explorados de la performance en Norteamérica
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/126970
Dos vínculos poco explorados de la performance en Norteamérica
Bernal Rivas, Gonzalo Enrique
[EN] Is there a performance art pedagogy? Are there many? Can performance art be taught? How? These kind of questions are the ones that this text expects to trigger in the reader from a review, that doesn’t pretend to be exhaustive, of texts with perspectives that are hardly coincidental such as those proposed on one side, by Eloy Tarcisio in Dulce María de Alvarado’s Performance en México (2015): 28 testimonios 1995 – 2000 and by La Pocha Nostra in Exercises for Rebel Artists: Radical Performance Pedagogy (2011); and on the other side, by James Elkins in Why Art Cannot Be Taught: A Handbook for Art Students (2001).
Other questions that may arise are Is performance art only a learning objective? Or can it also be a tool to achieve other pedagogical purpose? It’s expected to awaken these questions from a short review of W.J.T. Mitchell’s Showing seeing: a critique of visual culture (2002) in which, even if the idea of a “performance art pedagogy” is not refuted, performance itself is proposed as a pedagogic tool to learn, particularly, about visual studies.
Finally, why is it important to relate performance art and experience? What kind of experience does a spectator have during a performance art piece? Why is representation a key concept to performance art, understood from phenomenology? Centered on Lester Embree’s Reflective analysis (2003), the taxonomy of experience proposed by this author is presented, which might be the key to explain, from other scope, a phenological one, a feature of this artistic discipline which has been highlighted by Bartolomé Ferrando’s El arte de la performance, Elementos de creación: la presencia del cuerpo (2009).; [ES] ¿Existe una pedagogía de la performance? ¿Existen varias?; ¿La performance se enseña? ¿Cómo? Este tipo de preguntas son las que este texto desea provocar en el lector a partir de una revisión, que no pretende ser exhaustiva, de textos con visiones que son difícilmente coincidentes como las planteadas por un lado, por Eloy Tarcisio en Performance en México: 28 testimonios 1995 – 2000 de Dulce María de Alvarado (2015) y por La Pocha Nostra (2011) en Exercises for Rebel Artists: Radical Performance Pedagogy; y por otro lado, por James Elkins (2001) en Why Art Cannot Be Taught: A Handbook for Art Students. Otras preguntas que pueden surgir son ¿La performance es solamente un objetivo de aprendizaje? o ¿puede también ser una herramienta para alcanzar otro propósito pedagógico? Se espera despertar estas interrogantes a partir de una breve revisión de Showing seeing: a critique of visual culture de W.J.T. Mitchell (2002) en la que, si bien no se rebate la idea de “pedagogía de la performance”, se propone a la propia performance como herramienta pedagógica para aprender, particularmente, sobre estudios visuales.Finalmente, ¿por qué es importante relacionar la performance y la experiencia? ¿qué tipo de experiencia tiene un espectador durante una performance? ¿por qué la presentación es un concepto clave para la performance, comprendida desde la fenomenología? Centrados en Análisis Reflexivo de Lester Embree (2003), se presenta la taxonomía de la experiencia propuesta por este autor, la cual puede ser la clave para explicar, desde otro ámbito, uno fenomenológico, un rasgo de esta disciplina artística que ha sido destacada por Bartolomé Ferrando (2009) en El arte de la performance, Elementos de creación: la presentación.
2019-10-02T09:43:01ZEditorial
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/126969
Editorial
Pérez García, Elías; Martínez Arroyo, Emilio José; Silva dos Santos, Fabiane C.
[EN] Para este número 5 de la revista de investigación en artes visuales ANIAV, hemos seleccionado diez trabajos de indudable calidad e interés. Estos trabajos fueron recomendados por los revisores de entre los casi doscientos trabajos sometidos al sistema de doble ciego para el IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales ANIAV 2019. IMAGEN [N] VISIBLE. Se invitó a los autores seleccionados a revisar sus trabajos adecuándolas a las normas de la revista y a presentarlos en la plataforma para una nueva revisión por pares ciegos. De estos trabajos seleccionados se publicó solo un resumen en las actas del congreso y es en exclusivamente en este número 5, donde figuran corregidos y completos.
2019-10-02T09:37:34Z