VLC arquitectura. Research Journal - Vol. 04, núm. 1 (2017)
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/81445
2024-03-28T10:37:00ZAlison and Peter Smithson: The Space Between. Edited by Max Risselada
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/81486
Alison and Peter Smithson: The Space Between. Edited by Max Risselada
Ábalos Ramos, Ana
[EN] The Space Between (Walther König, Cologne, 2016) is the third part of the trilogy about the work of Alison and Peter Smithson seen through their own eyes. It follows The Charged Void: Architecture (2001) and The Charged Void: Urbanism (2005) both published by Monacelli Press, New York. This long-awaited book by Walther König features the same layout and general design as the two previous volumes but has a personality all of its own. The Space Between includes more than forty writings spanning the Smithsons’ entire career and features a wealth of illustrations from their own archives. Just as the The Charged Void was not merely a work about their work, this essential new volume is far more than just a compilation of their thoughts.
2017-05-19T10:50:50ZThe exhibitions of El Lissitzky through Cine-Eye
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/81485
The exhibitions of El Lissitzky through Cine-Eye
Paz-Agras, Luz
[EN] The Avant-Garde movements of the twentieth century explored the creative possibilities of new types of media in architecture, such as the photographic camera or cinema. In a series of experimental projects, authors such as El Lissitzky based their work on assimilating the human eye with a mechanical lens, making it possible to create new concepts of space. A simultaneous consideration of the resources of Vertov’s Cine-Eye in relation to the exhibition projects of El Lissitzky reveals some of his proposals as paradigmatic examples of the perceptive experimentation of the viewer in relation to art, and in a wider sense, to architecture. By analysing the cinematic resources of the film Man with a Movie Camera (1929), architectural aspects are analysed in the exhibition spaces of the Abstract Cabinet and PRESSA, identifying connections that break down the boundaries between the different disciplines.; [ES] Las Vanguardias de principios del siglo XX exploran la capacidad creativa de los nuevos medios
en la arquitectura, como la cámara fotográfica o el cine. En proyectos propicios para la experimentación,
autores como El Lissitzky parten de la asimilación del ojo humano a un objetivo mecánico que permite la
formulación de nuevos conceptos espaciales. Una lectura en paralelo de recursos del Cine-ojo de Vertov
sobre proyectos expositivos de El Lissitzky, sitúa algunas de sus propuestas como ejemplos paradigmáticos
de la experimentación perceptiva del espectador sobre el objeto artístico y, en un sentido más amplio, sobre
la arquitectura. A través del análisis de recursos cinematográficos de la película
El Hombre con la cámara
se
interpretan aspectos arquitectónicos en los espacios expositivos del Gabinete de los Abstractos y PRESSA,
trazando vínculos que disuelven los límites disciplinares
.
2017-05-19T10:47:57ZPaimio´s Three Walls
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/81483
Paimio´s Three Walls
Grijalba Bengoetxea, Julio; Grijalba Bengoetxea, Alberto
[EN] Alvar Aalto´s career has certainly been a complex one and has been reported by official historiography to be divided into some more or less well-defined periods which correspond to unitary in time clusters of projects. Thus, Paimio has come to be for architecture the consolidation of the Modern Finnish Project at its apparently orthodox splendor. Aalto, from the very beginning, was attracted by the possibility of generating his own project message. This may be the reason why he found researching into the evocative power of opposite conciliation which allowed him to obtain efficient tools to service his project. The peculiar presence of opposing elements in the same project governs the task of defining a new way to conceive architecture. There are truths in Paimio that withstand and refuse to be concealed under the apparent modern uniformity so many times appraised. All this becomes obvious and in many of the project syntax elements, but it is especially evident in the layout of the three walls of the rooms: the modern wall that stand weightless, defined by its immaterial abstraction; the heavy wall, defined by its physic features and bond to the XIX century tradition; and finally, the wall with an immaterial vocation, endowed with almost invisible features, and of deep eastern roots.; [ES] La trayectoria de Alvar Aalto es ciertamente compleja y ha sido relatada por la historiografía
oficial diseccionada en etapas más o menos definidas por familias unitarias de proyectos en el tiempo.
Así, el sanatorio de Paimio ha pasado a la historia de la arquitectura como la consolidación del Proyecto
Moderno en Finlandia, protagonizando, aparentemente, su momento de mayor ortodoxia. Aalto se sintió
atraído, desde sus comienzos, por la posibilidad de generar un discurso proyectual propio. Encontró que
investigar en torno a la capacidad evocadora de la conciliación de los opuestos le permitía disponer de
instrumentos eficaces al servicio del proyecto. La singular presencia de elementos opuestos dialogando
define la tarea rectora de una manera de hacer en arquitectura. En Paimio algunas verdades se resisten a ser
ocultadas bajo la uniformidad moderna aparente, tantas veces exaltada. Todo ello se revela en innumerables
episodios, pero es especialmente visible en la singular composición de los tres muros de las habitaciones.
El muro moderno que resulta ingrávido desde su condición abstracta. El muro pesado, definido a través de
sus cualidades materiales, vinculado a la tradición decimonónica. Y finalmente el muro inmaterial, dotado de
atributos próximos a la invisibilidad, de profundas referencias orientales
2017-05-19T10:37:32ZThe changing symbology of the ordinary. An American visual approach
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/81482
The changing symbology of the ordinary. An American visual approach
Santamarina-Macho, Carlos
[EN] The concept of “the ordinary” has become an ever more usual reference in the analysis of certain architectonic and territorial situations; but also social ones, which seem to escape any order set by planning. Nonetheless, the word still carries a rather ambiguous meaning, because not only the term is in itself polysemic, but also because it can have several interpretations, sometimes in a contradictory way, depending on the area of study, the time or the place in which it is used. This text addresses some of these apparent contradictions through a selection of visual expressions that emerge from the reassessment of “the ordinary” within a particular context: America in the seventies. To illustrate our views, we will use the work of two renowned photographers: David Plowden and Stephen Shore. Architecture was the centre focus of their images, which are part of the broad tradition of depicting American everyday life. We will analyse and compare them with the purpose of identifying their frictions and, more importantly, the values that transformed each of them from the ordinary into a perfect tool to deal with the strange and unstable material situation lived in post-war America.; [ES] l concepto de “lo ordinario” se ha convertido en una referencia cada vez más habitual para
el análisis de determinadas situaciones arquitectónicas y territoriales, pero también sociales, que parecen
evadirse del control de lo planificado. A pesar de ello, la palabra sigue presentando un significado ambiguo,
no solo por su condición intrínsecamente polisémica, sino también por haber dado lugar a interpretaciones
dispares, y en ocasiones contradictorias, dependientes de la disciplina, época o lugar en el que se hayan
producido. Este texto aborda algunas de estas aparentes contradicciones a través de una selección de
expresiones visuales que surgen de la reconsideración de “lo ordinario” en un contexto muy particular, el de
la América de los años setenta. Se utilizan para ello las obras de dos reconocidos fotógrafos, David Plowden
y Stephen Shore, en las cuales lo arquitectónico ocupa un lugar central, que son puestas en el contexto
de una dilatada tradición de reconocimiento de la cotidianeidad americana y posteriormente analizadas,
comparativamente, con el objeto de identificar tanto sus fricciones como, particularmente, aquellos valores
que convirtieron, en cada una de ellas, a lo ordinario en una perfecta herramienta para abordar el extraño e
inestable panorama material de la América de posguerra.
2017-05-19T10:33:12ZUnderground urbanity: from the carrefour à étages multiples to the ‘inner street’
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/81479
Underground urbanity: from the carrefour à étages multiples to the ‘inner street’
Clua, Alvaro
[EN] As Manuel de Solà-Morales noted, urbanity relies on the variety and quality of relations between things, materials and human beings. Considered as such, how are we to achieve an underground urbanity? This paper seeks to address this question through a focussed reading of a number of European urban projects from the 20th century; all of which put special care into ensuring the quality of their subterranean passageways. We begin with the carrefour à giration, which was designed by Eugène Hénard in 1906, in order to identify four fundamental attributes of this kind of urbanity: legibility, spatiality, accessibility and activity. We then continue with a qualitative analysis of the 1933 Blå Bodarna passageway designed by Tage William-Olsson and Holger Blom in Slussen (Stockholm). Looking ahead some decades later, the sequence of passages under the Vienna Ring, built during the mayoralty of Franz J. Jonas, provides a good example of how fundamental the connectivity to the underground public transport system was to the success of these spaces. Finally, the article closes with a review of those underground places found in Santiago Calatrava’s Stadelhofen Station and the Stationsplein by Manuel de Solà-Morales: from the carrefour à étages multiples to the ‘inner street’.; [ES] La
urbanidad
de un espacio radica, como bien defendió Manuel de Solà-Morales, en la riqueza y
calidad de relaciones que se establecen entre las cosas, las materias y la persona. ¿Cuáles serían las claves
para lograr una urbanidad en el subsuelo, una
urbanidad subterránea
? Este artículo propone responder a
ello a partir de la lectura intencionada de diversos proyectos urbanos europeos del siglo XX que han tenido
especial cuidado por asegurar la calidad de sus pasajes peatonales en subsuelo. El viaje se inicia bajo el
carrefour à giration
de Eugène Hénard donde ya en 1906 se reconocerán cuatro atributos fundamentales
para dicha urbanidad:
legibilidad, espacialidad, accesibilidad
y
actividad
. En segundo lugar se aborda un análisis
cualitativo del pasaje
Blå Bodarna
que Tage William-Olsson y Holger Blom diseñaron hacia 1933 en el Slussen,
Estocolmo. Unos años más tarde, la secuencia de pasajes bajo el Ring de Viena construidos durante el
mandato de Franz J. Jonas, mostrarán hasta qué punto la conectividad con los sistemas de transporte público
subterráneos será una clave fundamental para el éxito de estos espacios. Por último, el artículo finaliza con
una revisión de los espacios subterráneos presentes en las estaciones de Stadelhofen de Santiago Calatrava
y Stationsplein de Manuel de Solà-Morales: del
carrefour à étages multiples
a la ‘
calle interior’
.
2017-05-19T10:29:10ZExploratory gazes. Unpublished photographs of Asís Cabrero's Italian trip
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/81475
Exploratory gazes. Unpublished photographs of Asís Cabrero's Italian trip
Aldea Hernández, María José; Bergera, Iñaki
[EN] As was the case in not just a few of his contemporaries, Francisco Cabrero's modern advent is centred on his initial trip, in this case the one made to Italy in 1941. The historiography of Spanish architecture in general and the specific studies on the architect have shown the impact and the scope of this two-month trip on his later career. Fleeing the ruling academicism in Spain, Cabrero 'discovers' in Italy the rationalist and abstract expression of monumentality. Nevertheless, the access to a wide photographic reportage —unpublished up to now— accomplished by the architect during the trip, allows us to document his journey but also to put in to question those claims. The photographs introduce us for the first time to Cabrero the photographer —to his particular way of constructing an image— and as a result they pave the way for the recognition of this visual tool as an exploratory instrument of the gaze to the detriment of the pencil and notebook. Above all and paradoxically, they contradict the supposed fascination for modern language in Cabrero since discovering that historical architecture was almost the only objective of his selective photographic look and as a result, the primary source, of his transforming inspiration.; [ES] Como ocurrió en el caso de no pocos de sus contemporáneos, el advenimiento moderno de
Francisco Cabrero se vertebra en torno a un viaje iniciático, en este caso el realizado a Italia en 1941. La
historiografía de la arquitectura española en general y los estudios específicos sobre el arquitecto han
señalado el impacto y el alcance de este viaje de dos meses de duración en su trayectoria posterior. Huyendo
del academicismo imperante en España, Cabrero ‘descubre’ en Italia la expresión racionalista y abstracta
de la monumentalidad. Sin embargo, el acceso a un amplio reportaje fotográfico —inédito hasta la fecha—
realizado por el arquitecto durante el viaje, nos permite documentar su periplo pero también poner en
cuestión esas aseveraciones. Las fotografías nos descubren por primera vez al Cabrero-fotógrafo —su
particular manera de construir la imagen— y apuntan en sí mismas a la revalorización de esta herramienta
visual como instrumento exploratorio de la mirada en detrimento del lápiz y el cuaderno de apuntes. Pero
sobretodo y paradójicamente contradicen la supuesta fascinación por el lenguaje moderno en Cabrero al
descubrirse que fue la arquitectura histórica el objetivo casi único de su selectiva mirada fotográfica y la
fuente primaria, en suma, de su inspiración transformadora
2017-05-19T10:25:03ZPerret & Piacentini. A Comparative Analysis of Two Parallel Architectures
https://riunet.upv.es:443/handle/10251/81474
Perret & Piacentini. A Comparative Analysis of Two Parallel Architectures
Alonso Pereira, José Ramón
[EN] It is very common to understand the home of the masters of architecture as a manifesto of their respective architectures. Nevertheless, those houses are usually identified with single-family models, relegating collective examples. Only the apartment-atelier that Le Corbusier elevated in Porte Molitor (1930-33) is saved from this oblivion. However, there are at the same time two other examples of house-studio by two masters of the moment: Perret and Piacentini. Both are parallel in their vital dynamics and in their programs: The Roman house-studio of Piacentini in Lungotevere Tor di Nona (1929-31) and the Parisian building of Raynouard (1929-33), where Perret established his home and his agence (office). The coincidence of theme and the parallelism of place facilitate the comparative analysis in a common historical time, with their debates between tradition and vanguard; [ES] Es habitual entender la vivienda de los maestros de la arquitectura como manifiesto de sus
respectivas arquitecturas. Suelen sin embargo identificarse esas viviendas con modelos unifamiliares,
relegando los ejemplos colectivos. Casi tan sólo se salva de ese olvido el apartamento-taller que Le Corbusier
elevó en Porte Molitor (1930-33). Hay sin embargo, por las mismas fechas otros dos ejemplos de casa-estudio
de sendos maestros de su tiempo: Perret y Piacentini. Ambas son paralelas en su dinámica vital y en sus
programas: la casa-estudio romana de Piacentini en el Lungotevere Tor di Nona (1929-31) y el inmueble
parisiense de Raynouard (1929-33), donde Perret estableció su domicilio y su estudio. La coincidencia del tema y el paralelismo del lugar facilitan el análisis comparativo en un tiempo histórico común, que se debate
entre tradición y vanguardia
2017-05-19T10:20:36Z