VI Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales ANIAV 2024
Vivimos momentos de incertidumbre producto de los cambios de paradigmas en este primer cuarto del siglo XXI. Aparecen nuevos conceptos propios de la sociedad post industrial. La digitalización, virtualización, precariedad, posverdad, crisis climática, negacionismos, etc. son el campo de actuación de las artes visuales en las últimas décadas. En este VI congreso ANIAV, con el lema “ex ± acto” queremos ofrecer un altavoz, un espacio de comunicación, para visibilizar desde una posición abierta y no excluyente la complejidad y la riqueza de la investigación artística.
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Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Adema Universitu Press. Propuesta de línea editorial universitaria(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Aloy-Bibiloni, Guillem; Galván Martínez, Mónica[ES] Esta comunicación presenta los primeros pasos y voluntades de la Escuela Universitaria ADEMA-UIB para conformar una nueva editorial universitaria. Especializada en el ámbito relacional de las artes, la iniciativa considera, por un lado, las monografías de libros; que se acogen a los requisitos del Sello CEA-APQ en calidad y transparencia informativa, la política editorial y proceso de evaluación científica con la presencia de un comité editorial. Las primeras publicaciones monográficas previstas recuperan el formato catálogo razonado, con una mirada científica humanística, enfocada al proceso de los investigadores y escalable en sus resultados. Así, consideramos los trabajos sobre arquitectura: Jorn Utzon en Mallorca (1970-2008) en colaboración con Aarhus School of Architecture y el Utzon Center y el catálogo razonado de Amparo Sard 1973-2023, entre otros que se presentan en esta comunicación, son los primeros títulos previstos. La creación de una editorial en formato papel con voluntad investigadora, ambiciona a contribuir en el discurso artístico contemporáneo presente y futuro con una tecnología que todavía no se ha agotado: la edición atenta de libros.Simultáneamente, acompañando la línea de monografías, está la nueva publicación Journal of Architectural, Art and Design Research. Comprometida a fomentar la investigación contextual e innovadora en arte, arquitectura, diseño y campos afines. Busca impulsar intercambios pendulares entre investigadores a través de conversaciones en formato consultable donde se compartan avances e inquietudes en estos ámbitos. Fomentando la inclusión de contribuciones académicas, valoramos diversas perspectivas culturales, pues, se aspira a ser una destacada publicación internacional. Buscando un equilibrio entre modos teóricos y prácticos de investigación, con el objetivo de comprender críticamente la práctica del arte, la arquitectura y el diseño en su impacto social. La revista plantea abarcar una amplia gama de temas y aspectos, incluyendo teoría, historia, metodología, práctica, educación e impacto del diseño publicando trabajos originales relevantes para investigadores, profesores y profesionales.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , The art for good fire. Estudio intensivo del proceso de producción artística de cuatro fallas infantiles divergentes(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Coll, Julia[ES] El presente artículo analiza una producción artística pionera por el propio objeto, su enfoque, su contexto de producción y la orientación efímera para ser destruido por el buen fuego. Desde una perspectiva ecofeminista, arteterapéutica y chamánica el artículo investiga los cuatro proyectos de Fallas Infantiles de València realizados por una mujer artista, Trementina Lux desde 2019 hasta 2024: “Un lloc en la tribusfera”, “Falliruma”, “Cos i Mot” y “Flames i Niflames”. Las Fallas de Valencia son fiestas de interés internacional declaradas por la UNESCO Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Este estudio se centra en las estrategias conceptuales y formales llevadas a cabo por la autora con el objetivo de cambiar el paradigma actual de la construcción de fallas actualmente patriarcal, hegemónico, tradicionalista, homeostático, masculinizado, orientado a la espectacularización y la estandarización del uso del poliestireno expandido, hacia un nuevo paradigma sostenible, artivista y matriarcal. Este estudio pone en valor los procesos creativos vinculados a la alta sensibilidad, la biocomunicación con plantas y el pensamiento neurodivergente de la autora, detallando el laborioso desglose de tareas asociadas que permanecen invisibles, como la gestación de dosieres conceptuales, artefactos gráfico-discursivos, planificación de materiales de difusión y defensas ante jurados. El artículo pone el acento en el reto de crear arte efímero no contaminante con restos de la agricultura y las sociedades de consumo, fomentar la salvaguarda de procesos y materiales ancestrales y favorecer la inclusión social sin barreras en un constante diálogo con la contemporaneidad. En conclusión, el artículo explicita la tensión entre alta cultura y la cultura popular y se observa que las fallas de València entendidas de forma matriarcal como fiesta de barrio respetuosa con el ecosistema, funciona como un poderoso vehículo para la mediación artística y la coeducación en valores elevados de crecimiento humano, libre creatividad, cooperación y sensibilidad medioambiental.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Denkraum y estética zen. En torno al concepto de Equilibrio en Aby Warburg y Morihei Ueshiba(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Fernández Arias, Jorge Luis Osiris[ES] En esta conferencia reflexionamos sobre el concepto Denkraum como una búsqueda por restablecer el equilibrio entre imagen, experiencia y cuerpo. Para ello, recurrimos a la fenomenología del cuerpo presente en el Aikido, y al concepto Warburgiano de Denkraum, entendido como espacio para el pensamiento. La investigación se desarrolla desde el punto de vista de la búsqueda del equilibrio como autodescubrimiento y autocomprensión de la subjetividad y las imágenes que ella suscita.El psicohistoriador de las imágenes Aby Warburg identificó una dislocación en el pensamiento de occidente ocasionado por la destrucción de la distancias humano-imagen-mundo; así, la tecnología ocasionó la pérdida de nuestra conexión respecto al mundo. De manera invertida, el mismo autor reconocía que la orientación animal del humano respecto al humano le llevaba un estado donde la razón quedaba en segundo plano y nos exponía a los infortunios del mundo. Es de esta manera como el pensamiento Warburgiano en torno al Denkraum nos lleva a reconocer a la tecnología, magia y religión como los tres espacios fundamentales para la existencia en torno seres simbólicos creadores de imágenes. De la pérdida del equilibrio en estos tres espacios nos dejaría solos ante el mundo. De manera análoga a Warburg, el fundador del aikido Morihei Ueshiba ve en éste arte marcial una meditación en movimiento para restablecer el equilibrio en el cuerpo, basándose en principios del budismo zen y técnicas de combate Budo orientadas a la no-violencia. Así, tanto en un autor como en otro, vemos una lucha por restablecer el equilibrio en el espacio para el pensamiento; en Warburg, como autoconciencia-comprensión de nuestras relaciones con las imágenes y del entendimiento de las fuerzas-latencias vivas en ellas; en Morihei Ueshiba, como una lucha del cuerpo contra su imagen, una especie de combate contra la propia sombra. Al final, es el cuerpo contra su propia imagen buscando una orientación crítica que le permita restablecer el orden en el pensamiento entendido como organización epistémica del ser en el mundo.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Relación y Duración: Prácticas Artísticas para una Era Posdigital(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Rivera, Jose Carlos[ES] Hemos pasado de la promesa de revolución tecnológica que soñaba el ciberpunk a la cuarta revolución industrial de los algoritmos, la inteligencia artificial, el transhumanismo como realidad y la todavía huella humanista antropocéntrica. Ante las cuestiones que plantea esta época tendremos que decidir cómo queremos construir nuestro futuro, ya que todavía tenemos capacidad de acción. Desde un punto de vista estético-artístico, esta comunicación pone el foco en las relaciones y lo duracional, conceptos que desde el mundo del arte invitan a pausar la mirada y a procesar el actual entorno hiperactivo al ritmo del cuerpo y a través del mismo. En lugar de intentar procesar como los superordenadores que hemos creado.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Bajo las formas del paisaje hay un espacio en el que cantar: Representación y transmisión de una cultura minorizada(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Torres Gutiérrez, Breogán[ES] La comunicación que propongo parte de mi propia práctica artística para plantear las siguientes preguntas:1. ¿Cómo nos relaccionamos con nuestra identidad cultural cuando, por una rotura en su transmisión, nos vemos forzados a hacerlo a través de imágenes heredadas y no de las experiencias directas que estas buscaban representar en una primeira instancia?2. ¿Existe en esa nueva relación un nuevo potencial estético?Trataré de responder desde el caso particular de Galicia. Para ello, partimos de la distinción que hace la poeta Olga Novo entre el concepto de paisaje y tierra. Esta entiende que el paisaje trata de acercarse a un espacio produciendo una imagen, viendo. Coincide con el geórgrafo cultural Denis Cosgrave en que “el paisaje sublima en placer visual la pérdida de una relación corporal, orientada al uso, con la tierra.” Por otra parte, hablar de tierra es aquí hablar de acciones con el cuerpo en un espacio, de moverse y trabajar en él. Está ligado a la experiencia de las estaciones, a la meteorologá y a una rutina; a la vida de esa cultura. De esta manera abordaría los mecanismos mediante los cuales una comunidad se identifica a si misma como tal, entiendiendo el paisaje y la lengua como dos de estas técnicas.Para esto me apoyaré especialmente en el trabajo de Carme Nogueira, y, además, en el contexto vasco, en la obra de Asier Mendizábal, Itziar Okariz, Ibon Aranberri o Jon Mikel Euba,Para terminar, la comunicación se encuadraría en la siguiente hipótesis: Existe un espacio entre las representaciones que tenemos a mano de la cultura gallega y las manifestaciones culturales que buscan reflejar. En las últimas generaciones este espacio se acrecenta y nos fuerza a relacionarnos con estos elementos identificativos desde una distancia, donde riesgos y potencialidades conviven.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , La subversión de los objetos. Deconstrucción y construcción del deseo(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Santos Herbosa, Sara[ES] ¿Qué ocurre cuando desde las disidencias se activan puntos de fuga que escapan a la estratificación social en cuanto a identidad, género, clase o raza? ¿cómo se construye socialmente el deseo?. El enfoque de este proyecto de tesis emerge de esas preguntas, y su premisa es la de reconstruir el deseo desde el principio Esquizo de la filosofía de Gilles Deleuze y Felix Guattari para proponer una alternativa basada en los afectos, por medio de una revisión del arte surrealista actualizado hacia practicas sostenibles y desde una mirada feminista/disidente. Se busca generar un discurso diverso y propio, por medio de una dinámica de retroalimentación reflexiva entre el hacer artístico y la palabra. Por un lado, se identifican saberes de otras áreas de conocimiento que van generando visiones del mundo no normativas, como puede ser el caso de la epistemología con María Zambrano; por otro, artistas que trabajan desde lo socio-cultural de las disidencias como es el caso de Ana Laura Alaez; y, por último, desde la propia creación artística, que orbita alrededor del gesto de coleccionar objetos kitsch y ornamentos de simbología pop y sirve de laboratorio formal desde donde poder desdibujar sus líneas. Se pone en marcha así una experimentación plástica que busca disipar los límites de un cuerpo para romper la forma a través de la quimera, y abrir el terreno de significación a las preguntas iniciales. En definitiva, se busca apuntar al deseo como productor de deseo, desde una perspectiva tanto de género, como LGTBIAQ+.En esta comunicación, se presenta el estado actual de avance de la investigación, junto con los resultados de unos talleres artísticos en relación a la costura organizados como lugar donde generar debate en torno a esta premisa, intentando dar forma a un estado de la cuestión relevante.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Del mito de Frenhofer a Giorgio Morandi. Una reflexión sobre el modelo en la pintura moderna(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Aguilar Alonso, Raquel[ES] Los pintores que desarrollan su obra bajo principios visuales tomados de la naturaleza transitan un proceso inicial de observación que les permite alcanzar "el motivo", es decir, una abstracción propia, autónoma del referente natural que les sirve de pretexto. El mito de Frenhofer, como personaje que cuestiona la representación en los términos convencionalmente establecidos se imprime en la modernidad y se personifica en pintores como Cézanne que sirven de referente durante las grandes trasformaciones que sufre la pintura tras las vanguardias y la irrupción de la pintura abstracta. Nos preguntamos, a través de la obra de algunos pintores que persisten en la figuración durante el siglo veinte, qué es realmente lo que está en juego cuando se cuestiona la representación espacial de una figura u objeto sobre la superficie del lienzo. En este sentido, nos detenemos en la obra de Giorgio Morandi, que puede arrojar algo de luz en esta tesitura gracias a la estrecha relación que mantienen sus bodegones con el modelo, y a su propia evolución, que le llevará en los últimos años de su vida a una síntesis cada vez mayor del espacio y del claroscuro.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , La maestría técnica y poética de Aurelino dos Santos: análisis de obras entre los años 1960 y 1990(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Gonçalves da Silva Sanjuán, Bruna[ES] El trabajo tiene como objetivo analizar las obras de Aurelino dos Santos, buscando identificar su poética y técnica más allá de los estigmas sociales. Aurelino es un artista nacido en 1942 en Salvador de Bahía, Brasil, en una familia humilde, y es conocido por sus obras y su condición mental atípica. A partir de la observación del interés histórico de las disciplinas por el inconsciente y sus posibilidades de exploración, el artículo destaca cómo la producción de Aurelino no está estrictamente vinculada a este campo, o sea, no es un trabajo apenas fruto de la locura. El interés de modernistas por obras de pacientes psiquiátricos a principios del siglo XX permitió que la sociedad aceptase sus trabajos como arte y de este modo sus creaciones fueran aceptadas en museos y colecciones, creando nuevas clasificaciones artísticas. Además, dichos trabajos, lograran un nuevo campo de exploración a psiquiatría. En contrapartida, por el nuevo interés por el inconsciente, muchos artistas fueran reducidos a su locura, sin el análisis completo de sus obras. Aurelino dos Santos es uno de estos artistas, cuyos trabajos se reconocen principalmente por su condición mental. El análisis de su historia y obra demuestra la maestría técnica y poética del creador, quién, a pesar de su atípica condición psíquica, logró posicionarse como artista visual en el mercado del arte brasileño. El artículo demostrará por imágenes, estudios e entrevistas, que hay aspectos sociales, laborales y personales que lo hacen un artista que no puede ser clasificado como “del inconsciente” o “loco”.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Ficcionar el yo como aprendizaje en acción de una mediación artística(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Peña Sánchez, Noemí[ES] Se presentan los resultados de una acción para la formación en mediación artística dirigida a la comunidad de estudiantes de 4º del Grado en Bellas Artes en la Universidad de La Laguna (ULL)- comunidad entendida como grupo de aprendizaje [Group Face] (Villenueve y Sheppard, 2009)-. Su participación posibilita entender la práctica mediadora desde la experimentación individual y colaborativa, entender los roles del mediador o mediadora -quienes activan- de la comunidad- quienes expresan - y reflexionar desde la acción vivida el papel transformador de las artes (Barbosa, 2009). Inspirada en las dinámicas colaborativas de Wendy Ewald planteamos un retrato desde tres temporalidades y bajo tres miradas en las que las palabras escritas, leídas interpretadas articulan cada retrato. Para la comunidad formada por futuros graduados nos interesaba conocer los tránsitos del yo estudiante desde el ayer iniciando su formación, desde el presente en el final de sus estudios de grado y en el mañana proyectándose hacia el futuro. Nuestro primer retrato escribe ese pasado, esa expectativa mirada desde el presente y con sus palabras componen ese retrato ya pasado. Desde el ahora y como segundo retrato brindamos interrogantes para establecer un diálogo a dos voces que estrecha vínculos y al ser compartidas con la comunidad se fortalecen lazos. Con esas palabras escuchadas resuenan inquietudes, intereses, decepciones y expectativas alcanzadas o frustradas. Con el tercer retrato nos proyectamos hacia un futuro imaginando ese ¿quién seré yo? A partir de esos relatos ficcionados del yo nos retratamos y al fotografiarnos empoderamos la subjetividad del otro. Todos estos retratos han tejido un espacio de relaciones, de confianza y seguridad. Finalmente se hace necesaria una reflexión posterior de la acción vivida como mediación artística, trascendemos del ego para entender experiencias que son más grandes que una misma.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Performance de fatiga y resistencia. “Exactitud (±) de la repetición” en la acción artística duracional y la acción atlética(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Terrones-Reigada, Álvaro; Departamento de Escultura; Facultad de Bellas Artes; Grupo de Laboratorio de Creaciones Intermedia. LCI[ES] En la performance artística existe una modalidad que actualmente se desarrolla con una recurrente intensidad por parte de la generación jóven: es la acción duracional. Generalmente, esta se identifica en escena con las siguientes características: a) poetización de una idea contundente, b) reiteración e insistencia de una acción, c) sobreexposición de los límites del cuerpo mediante la resistencia, d) extensión indeterminada del tiempo en escena hasta alcanzar la fatiga (duracional). En esta tesela me aventuraré a definir la acción duracional y explicar sus características, y a defender y sostener la importancia del concepto de precisión, –(±) exactitud–, en la repetición. Los casos se aboradarán de manera interdisciplinar, con ejemplos actuales de artistas de último grado provenientes de la asignatura de performance y deportistas del ámbito de la Universidad Politècnica de València, mediante un estudio comparado entre la acción artística duracional y la acción atlética.Con estos ejemplos se despejará, o no, la hipótesis siguiente: que la exactitud del acto es el factor transformador de la performance duracional basado en la desigualdad, –el principio, desigual al final–; que este factor indica cuándo un movimiento repetido se encuentra en su fase crepuscular y de agotamiento y por tanto cuándo la performance duracional está cerca de concluir. Finalmente, se explicará cómo la duración viene, a su vez, determinada por dos variables que son la fatiga y la resistencia del artista.Con todo ello, se comprenderá el vínculo entre la exactitud del acto, la fatiga, la resistencia de la acción y el estímulo catártico y concluir, en un esquema lógico circular, lo siguiente: que la fatiga transforma las acciones y la resistencia del ejecutante a la fatiga amplía el rango de exactitud de esas acciones.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Reseguir el camino: la documentación como recurso para un aprendizaje reflexivo en la formación artística(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Blasco Soplon, Laia; Tesconi, Susanna; Sánchez de Serdio Martín, Aida[ES] La documentación es fundamental en prácticas artísticas como las performativas, las efímeras o las relacionales, en las que puede llegar a ser la misma obra o terminar por sustituirla. También es un aspecto abordado ampliamente desde la pedagogía como forma de representación, reflexión y difusión de los procesos de aprendizaje. En el marco del Grado de Artes de la UOC, una titulación que se imparte online desde sus inicios en 2017, surge una inquietud por fomentar entre el alumnado el hábito de documentar sus procesos de trabajo a través de una variedad de formatos. Además de ser imprescindible para el desarrollo de prácticas artísticas procesuales, la documentación es indispensable en un entorno de enseñanza online para compartir el trabajo realizado por los estudiantes y hacer un mejor seguimiento y evaluación de sus procesos de aprendizaje. La experiencia que hemos adquirido a lo largo de estos años en este contexto de enseñanza tan particular, puede ser de utilidad para los procesos de enseñanza-aprendizaje artísticos, en contextos tanto híbridos como presenciales y de distintos niveles educativos. Documentar es una habilidad que puede contribuir a la difusión de proyectos artísticos de muy distintas naturalezas, ser un método de trabajo en sí mismo, o llegar a ser la propia formalización de la obra. Pero documentar es también una forma de construir un relato de los propios procesos, de tomar consciencia de la construcción de los relatos ajenos, de tomarse un tiempo para parar y pensar. Frente a las tendencias que defienden un mayor control ante una realidad repleta de incertidumbres y desafíos tecnológicos, desde las enseñanzas artísticas podemos explorar formas de habitarla acompañando y no reduciendo la complejidad de los procesos, mediante una reflexividad crítica que mira los caminos futuros resiguiendo los caminos andados.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Taller de animación: solidaridad, compromiso y participación social. Estudio de caso(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Garcia Rams, María Susana; Departamento de Dibujo; Facultad de Bellas Artes; Grupo Animación de la Universitat Politècnica de València[ES] El taller de animación permite la interacción y la cooperación muy cercana de diversas personas en el proceso de creación, y con ello, constituye una herramienta extraordinaria para desde el audiovisual fomentar la solidaridad, el compromiso y la participación en lo social. La animación bajo cámara, amplia esta interconexión de participantes, al estar en relación, incluso en el proceso de captura de las imágenes generadas y en el visionado de resultados. Además, las historias autobiográficas individuales o de colectivos en animación, permiten su reinterpretación a través de metáforas y símbolos visuales, lo que tiene un relevante y significativo poder terapéutico y mediador, tanto del sujeto protagonista y creador de la historia, como en los que generan el discurso visual con la elaboración y manipulación de las imágenes. El Taller de relatos orales de migración y autoafirmación en femenino que presentamos como estudio de caso, fundamentado en los testimonios de cinco mujeres que sufrieron violencia machista de la Asociación Alanna, constituye un exitoso ejemplo de esto, con la realización colectiva de cinco animaciones, implicadas las protagonistas en todo el proceso, junto a otros participantes y jóvenes animadoras. El objetivo substancial de esta iniciativa era dar a conocer la situación psíquica de las mujeres que sufren víctimas de violencia de género y sus variantes, dándoles la oportunidad de ser artífices de sus propios relatos. Este objetivo se consiguió no solo a través del taller y los vínculos generados, sino también con la difusión de los resultados, reivindicando la memoria personal y la colectiva de todas ellas. A partir de estas iniciativas en animación, se pueden generar nuevas herramientas para superar los traumas generados en los conflictos, elaborando nuevos modelos de relación y acción solidarios, comprometidos y de transferencia desde la animación y la universidad a la sociedad.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , La larga sombra de Proyectante. El sentido de conservar y restaurar obras de arte digital desde la práctica artística(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) León-Mendoza, Raúl; Departamento de Escultura; Facultad de Bellas Artes; Grupo de Laboratorio de Luz[ES] Con motivo de la exposición restrospectiva del grupo de investigación Laboratorio de Luz (Universitat Politècnica de València) en el Centre del Carmen Cultura Contemporánea (Valencia), hemos restaurado una de las primeras piezas artístcas de este colectivo investigador: “Proyectante de Sombras” (1993).“Proyectante” es una instalación lumínica reactiva a la presencia del espectador. El espectador encuentra en el espacio una pared perfectamente iluminada por un recorte de luz. Si se traspasa un umbral determinado del espacio, el foco que ilumina dicha pared se apaga y el espectador percibe la presencia de un texto escrito con tinta fosforescente legible durante un pequeño intervalo de tiempo. El funcionamiento de la instalación es sencillo conceptual y técnicamente, y sin embargo, ofrece al espectador un universo inmaterial del contenido, de cuestionamiento sobre la materia luz, el lenguaje, el papel del espectador en la propia pieza, etc.En este artículo, pretendemos materializar una relatoria del proceso de restauración de la obra original. Pero no simplemente una relatoria técnica y conceptual, nuestro objetivo es abrir aquí un proceso de reflexión sobre la potencia transformadora que tienen el ejercicio de la restauración de una pieza artística, producido desde la práctica artística. Indagamos sobre cómo la conceptualidad y materialidad de “Proyectante”, su lógica a nivel de dispositivo de mostración/ocultamiento, su cuestionamiento del lenguaje escrito como medio de transmisión, se han colado en nuestra práctica artística presente, como consecuencia de este proceso restaurador. Finalmente, nos preguntamos sobre el sentido profundo que tenía esta instalación en su contexto temporal (histórico-social) y cómo sería producir una obra homóloga en el presente, más allá de su propia reconstrucción material fiel a la obra original.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Crisis climática y nuevos biomateriales(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Carbó del Moral, Ignacio[ES] Vivimos en tiempos inciertos, inmersos en un cambio de paradigma que nos llena de dudas y preguntas pero que resulta tremendamente estimulante. Tenemos que repensar nuestro lugar en el mundo y nuestra relación con el entorno de un modo ya inaplazable. El ser humano ya no puede entenderse más a sí mismo como parte ajena al resto de seres vivos que conforman y moldean su hábitat. En esta tarea, el arte, sin duda, ocupará una posición determinante para concebir y construir esa nueva relación con el medio. Para renovar nuestra mirada a la naturaleza, resulta hoy en día muy pertinente prestar una especial importancia al proceso en lugar de a la forma resultante. Pues, en efecto, los organismos vivos, llevan millones de años generando y construyendo sus propios hábitats a través de procesos matemáticos de carácter orgánico de los que ahora comenzamos a desentrañar su siempre esquiva complejidad y que están en el origen de la belleza y la sorpresa que estos organismos nos producen. En un mundo en plena crisis climática, el ser humano ha acelerado la investigación de las posibilidades que nos ofrece la utilización de nuevos materiales que nos permitan superar un modelo de crecimiento basado en combustibles fósiles. Un modelo que está poniendo en jaque nuestra propia supervivencia. En este proceso de cambio de paradigma en el que estamos envueltos, una mirada atenta a los materiales que la naturaleza nos ofrece resulta un campo fértil que abre múltiples posibilidades y la producción artística no puede ni debe ser ajena. Así, mi trabajo artístico es fruto la de investigación y la producción en el estudio de nuevos biomateriales con una doble intención: por un lado, lograr la sostenibilidad de la obra en sí misma en cuanto a su propia generación y materialidad y por otro la apertura de nuevos caminos. Mis últimas esculturas están concebidas y ejecutadas con membranas compuestas de celulosa bacteriana, fibras de coco o esparto; son estructuras de médula de junco trabajadas con agua y calor y recubiertas de pieles generadas con bioplásticos de almidón de diferentes féculas; son obras que tienen incrustaciones de colofonia, resina de pino o que están “manchadas” por cera de abeja que calentada y trabajada resulta tremendamente sugerente; obras que han convertido el taller en un espacio de alquimia poblado de extrañas formas y geometrías. Nuevos biomateriales para una creación artística inserta en la actual crisis climática.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Unsolicited. Desde la imagen desenfocada en las Redes Sociales(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Monge Blesa, Nora[ES] La sociedad contemporánea se construye en base a una cultura escópica, donde juegan un papel muy importante las redes sociales, en las cuales se determina lo que es visible y cognoscible mediante una serie de normas colectivas, convenciones culturales y regulaciones normativas. Las redes sociales sirven de plataforma de difusión y diálogo de esas imágenes, a las que somete a sus términos de uso donde es necesario que cumplan con la normativa del medio, lo que implica una transformación de la imágen por medio de la censura o autocensura. Partiendo de los conceptos: imagen, censura, espacio público/espacio privado, redes sociales y términos de uso surge la pieza Unsolicited."Unsolicited" es un diálogo entre lo privado y lo público, ¿cómo se entrelazan en el mundo digital contemporáneo? ¿Cuál es el límite de lo íntimo en el espacio público? ¿Qué conforma lo privado e íntimo en las redes sociales? En forma de videollamada se enfrentan diferentes interlocutores a la imagen del espacio público, siendo esta ajena a la situación y funcionando de manera natural y cotidiana. Cada interlocutor está inmerso en su propia realidad y ajeno al registro al que están siendo sometidos. La transición entre dos espacios resalta la dualidad entre lo íntimo y lo público, y cómo estos mundos conviven en el espacio digital.La obra se mueve en torno a la hipótesis de cómo las redes sociales están creando una ética visual globalizada desde unos términos de uso impuestos por las plataformas digitales donde el cuerpo vive y se transforma a través de la censura. Unsolicited crea imágenes en forma de glitch, de fallo infraestructural que pongan en evidencia el código de los términos de uso de las redes sociales y provoquen un desorden en el sistema de representación. De este modo, se reflexiona sobre la naturaleza de la observación no solicitada y las fronteras entre lo íntimo y lo expuesto.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Arte y engaño en la red: IA como recurso creativo(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Hernández Acuaviva, Helena; García Robles, Rocío[ES] En los últimos años, con el auge exponencial del uso de internet y las redes sociales, hemos aprendido rápidamente a manejar nuestros dispositivos digitales y, con ello, a entender las posibilidades que nos brindan. Además, poco a poco nos hemos ido acostumbrando a discernir nombres de usuarios falsos, identificando posibles phishing, textos spam y otros tipos de fraudes similares. Sin embargo, con las imágenes que circulan en el espacio virtual no sucede lo mismo. A día de hoy es extremadamente fácil manipular la imagen de una persona mediante filtros y aplicaciones que alteren sus rasgos. Con suma sencillez asumimos que un rostro desconocido puede ser verdadero. Actualmente, cuando entramos en la red nos sumergimos en un maremágnum invisible de bots y algoritmos de aprendizaje inteligentes capaces, entre otras cosas, de generar imágenes sintéticas de personas que no existen; imágenes de personas que, por otra parte, resultan ser cada vez más perfectas y verosímiles, lo que hace que el fake sea difícil de detectar. Nuestro objetivo es reflexionar, desde una perspectiva creativa, sobre la sencillez con la que se pueden crear identidades falsas a través de la inteligencia artificial (IA). Con este fin, discutiremos acerca de varios artistas que emplean estas herramientas como recurso artístico y sobre proyectos que, desde un posicionamiento crítico, abordan esta problemática.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , “O que foi e o que será”. Un proyecto artístico sobre el fin de la cultura campesina a través de la obra poética de Pier Paolo Pasolini(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Herrero García, Roberto[ES] En 1975, el mismo año de su asesinato, el cineasta y poeta Pier Paolo Pasolini publicó su poemario La nuova gioventù. Escrito mezclando el italiano con la lengua campesina friulana, este libro era un reflejo de las problemáticas que más obsesionaban a su autor en ese momento. En concreto, el tema central de esta obra era el cambio antropológico que se estaba gestando a raíz de los grandes éxodos rurales. Después de catorce mil años de existencia, aseguraba Pasolini, la clase campesina había desaparecido prácticamente de golpe. El resultado de todo ello era la erradicación de la cultura comunal propia del mundo labriego, así como la imposición de un único estilo de vida basado en el consumo capitalista. Las composiciones de La nuova gioventù, lejos de ofrecer un mero diagnóstico de esta situación, pretendían ser un programa de acciones con el que revertir dicho acto de eliminación histórica. A punto de cumplirse medio siglo de la redacción de los poemas de Pasolini, su lectura resulta casi tan actual como en el momento de su publicación. En los últimos años, un gran número de creadores y creadoras se están interesando por rescatar la memoria de las diásporas rurales. Se multiplican los libros, películas o producciones artísticas que exploran el mismo imaginario que La nuova gioventù. A ello se añade, además, que las consecuencias de la desaparición de los modos de vida campesinos son cada vez más evidentes. Ahí están, por ejemplo, la crisis ecológica, la homogeneización de las diferencias culturales o el fin del pensamiento utópico. A partir del proyecto artístico Lo que fue y lo que será, un trabajo sobre La nuova gioventù que estoy realizando en estos mismos momentos, esta ponencia explora cuáles son las posibilidades de reactivar en el presente el programa político propuesto por Pasolini.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , No se toca. La difícil formalización del (con)tacto en el arte(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Eizaguirre Granados, José[ES] Entre los ya tradicionales carteles de «No tocar», las cintas en el suelo, o el guarda de sala, ojo avizor ante cualquier imprudente, casi toda visita a alguna exposición presenta una articulación en negativo del (con)tacto. Rara vez se le deja operar como un elemento artístico, sea como una posibilidad real ante la obra o parte de una elaboración discursiva y, a veces, incluso obras inicialmente pensadas para ser tocadas acaban tras vitrinas.Históricamente marcado por la dificultad para definirlo, una reducción conceptual al contacto, y una falaz contraposición con la vista, el concepto de tacto es, en realidad, mucho más rico tanto en amplitud como en indeterminación. Como sentido, incluye no solo la presión, sino también el calor, dolor, hambre, picor, e incluso, según a quien se pregunte, la propiocepción o el equilibrio. Como intercesor clave en nuestra interacción con nuestro entorno, el tacto posee una gran fuerza simbólica y metafórica, de todavía limitado despliegue en el arte.En esta presentación buscamos ofrecer algunas reflexiones sobre las dificultades que rodean, en el arte, tanto a la articulación discursiva de la riqueza conceptual del tacto como al empleo del contacto como medio de interacción, entre personas o con una obra física. En pocas palabras, por un lado, el tacto posee una extensa ambigüedad innata que dificulta su conceptualización y transmisión, tanto como concepto puro como en un contexto social o político. Por otro, el contacto inevitablemente abre unas contingencias incompatibles con la sacralidad que normalmente le concedemos a ciertos objetos o personas, sea por justificar la distinción entre arte y artesanía, proteger el estatus de la obra como mercancía o patrimonio, o la integridad y autonomía corporales. Estas cuestiones marcan los límites éticos, prácticos y legales del (con)tacto en el arte, pero en detrimento de su desarrollo conceptual.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Hay un caballito en el largo pasillo: Backrooms y juguetes mecánicos como dispositivos para la exploración del fenómeno del valle inquietante en el arte actual(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Fuente de los Angeles, Alicia de la[ES] Esta comunicación se ocupará de analizar la manera en la que ciertas tendencias en la plástica contemporánea reflejan y exploran preocupaciones como el terror hacia la inteligencia artificial, la evolución del trabajo desarrollado por animales humanos y no humanos y la obsesión por los espacios liminales o backrooms como metonimias de una melancolía folk en la cultura visual contemporánea.Lo hará a través de El Desvío, una instalación artística de reciente producción que recuerda a un puesto infantil de vehículos motorizados, como los de los centros comerciales. Esta se acompaña de una pieza sonora activada con auriculares en la que una inteligencia artificial parece divagar sobre los conceptos de fantasía, mitología o relato. La artista toma como punto de partida esta obra propia para relacionarla con estrategias plásticas utilizadas por artistas como Laia Estruch, Jordan Wolfston o EJ Hill con la intención de reflexionar acerca del modo en el que algunas de sus piezas transportan a ese momento y lugar en el que operan las ficciones —entre el ocio y el culto—, ese tiempo no productivo en que es habitual guiarnos por la pulsión de descubrimiento y goce para adentrarnos sin darnos cuenta en terrenos extraños o desasosegantes donde pueda aparecer la crítica. De esta manera, la comunicación tratará de ofrecer un análisis comparativo de obras que, como El Desvío, son conscientes de su propia apariencia de juguete o fenómeno y funcionan como una trampa perceptiva, disfrazándose en ocasiones para atraer al espectador a entrar en su juego y dejarse llevar hacia lugares posiblemente engañosos. Una propuesta teorico-práctica que ahonda en la idea de que la ficción actúa a menudo en la plástica actual como remedio cicatrizante ante la dificultad para reconocer la verdad o la justicia en la cotidianidad.Item type: Capítulo de libro , Access status: Abierto , Estrategias de ofuscación. Prácticas artísticas para evitar ser reconocidos(Editorial Universitat Politècnica de València, 2024-07-26) Gonzalez Fernández, Claudia[ES] Las tecnologías de reconocimiento facial tienen múltiples aplicaciones en controles fronterizos, análisis forenses, ciberseguridad y la vigilancia en general. También garantizan el acceso seguro a teléfonos, ordenadores y apps de pagos, nos permiten etiquetar a amigos en redes sociales y hasta diagnosticar enfermedades.Sin embargo, la pérdida de privacidad a cambio de determinados servicios o en pos de una supuesta seguridad, conlleva algunos peligros. Existe una clara asimetría de poder entre los propietarios de las tecnologías y los que producimos los datos. Además del poco control que tenemos sobre el tratamiento y uso de nuestra información, debemos tener en cuenta que las tecnologías de la vigilancia operan enmarcadas en políticas de visibilidad repletas de sesgos de raza, género y clase.En esta comunicación nos preguntamos sobre cuáles pueden ser las aportaciones del campo del arte a la hora de generar una visión crítica y otras posibilidades de acción frente a los sistemas de reconocimiento facial. Niessenbaum y Brunton definen “la ofuscación” como la adición deliberada de información ambigua, confusa o engañosa para interferir con la vigilancia y la recopilación de datos. Partiendo de este concepto, presentaremos una serie de propuestas artísticas en las que el uso del anonimato como estética experimental y forma política nos puede aportar un análisis transversal de algunas cuestiones complejas que implican la recopilación y tratamiento de nuestros datos. Máscaras de datos, maquillajes y cosméticos, o rostros prestados son algunas de las estrategias que los artistas proponen como defensas legítimas para evidenciar y paliar estas asimetrías. A través de estos casos veremos cómo el arte, desde una reflexión en ocasiones irónica, en otras más comunitaria y pragmática, propone un imaginario de la invisibilidad y el anonimato que se constituye como una alternativa al hipercontrol en el que vivimos.